Michael Witte

for English version please scroll down

Peter Heidenwag schreibt zur Einzelausstellung von Michael Witte REGRESSIVE HYPNOSE AUF SENDUNG in der Galerie der Villa in der Bellalliance Straße 2018:

Weisswurstäquator, Jesus Du (_____) Sohn, Okkult bis in die Knochen, Schütze Amerika Satan, Die Russen sind furchtloser als die Amerikaner, Die 3 Endstationen: Santa Fu, Ohlsdorf Friedhof, Alsterdorf Stiftung, Hamburg muss Autogerechter werden, Mehr Autobahnen für Hamburg, In Brand stecken, Herren Bikinis, Mach mir den Lego Badehose, Steck die Stricknadeln in die Steckdose und fass beide Nadeln an, Ein schönes Kribbeln geht durch Deinen Körper.
Du kannst sogar Deinen Körper verlassen. Elekro-Sensibilität, Herz = Verdrängungspumpe – Ist diese Gleichung gar doppeldeutig gemeint? Warum werden Vampire und Scientology nebeneinander genannt? Was bezwecken diese Slogans? Die Titel klingen nicht immer nach leichter Kost.

Michael Witte setzt sich auf teils charmante, teils humorvolle, aber auch ironische oder doch eher sarkastische und provokante wie zugleich auch offene und ehrliche Art und Weise kritisch mit aktuellen Themen der Gesellschaft auseinander. Es geht um Wohnsiedlungen, Gesundheit und Krankheit, Leben und Tod, Religion, Scientology, Okkultismus, Kolonialismus, Politik und – wie unübersehbar – um öffentliche Verkehrsmittel bzw. den Nahverkehr einschließlich dessen Verkehrsnetze (Mehr Autobahnen für Hamburg, Hamburg muss Autogerechter werden), um Mobilität, um Wege, Unterwegssein, um Transportmittel und Ströme.

All diese Themen sind gleichzeitig in urbane Lebensräume eingebettet, deren Hauptadern und Öffentlichkeitsnetze teilweise von bemerkenswerter organischer Qualität sind. Sie sind schön, bunt und symbolhaft zugleich. Sie erinnern an Makro- oder Mikrokosmen, an zelluläre Systeme und Querschnitte. Manche Karten scheinen reale Orte wiederzugeben, vielleicht aus einer anderen Zeit. Manchmal erinnern die Bahnen an Nervenstränge oder an den Aufbau eines Gehirns. Organik und Struktur scheinen miteinander verflochten.

Im Umgang mit diesen vielen verschiedenen und nicht immer ganz durchdringbaren An- und Weltsichten fordert Michael Witte die Betrachter heraus, irritiert und entführt sie in einen vagen Raum – vor allem dann, wenn er in manchen Arbeiten seinen Themen eine Welt von Fantasie- bzw. Adventure-Computerspielen und -Geschichten gegenüberstellt.
Ist doch alles nur ein Spiel? Welches Spiel wird gespielt? Worauf kommt es an und wie sind die Regeln? Wie ist was gemeint?

In unserer Benefizversteigerung, die wir vor zwei Wochen veranstaltet haben, war neben Michael Witte ein weiterer Kartograf und Spieler, nämlich der Hamburger Künstler Youssef Tabti, mit einer Arbeit vertreten. Letztens hat er gegen den Außenminister Heiko Maas ein selbst entwickeltes Kriegsspiel im Berliner Hamburger Bahnhof gespielt …

Wie Youssef Tabti ist auch Michael Witte ein Kartograf des Lebens und der Lebensräume, wobei die Räume nicht nur räumlich, sondern auch sozial gemeint sind. Es geht um Lebensumstände und gesellschaftliche sowie politische (teils extreme) Gesinnungen, Verhältnisse und Prozesse.

Michael Witte stellt damit seine Themen nicht nur in seinen eigenen Raum bzw. nicht nur in den Raum seiner Text/Bild-Arbeiten – wenn diese auch häufig flächig angelegt sind –, er stellt sie auch – hier und heute – in unseren Raum und damit zur kritischen Reflexion.

Ich wünsche viel Spaß auf der Entdeckungsreise!

Katha Schulte:

Ein Netz von Zugstrecken ist in Michael Wittes Zeichnungen erste Vorgabe zur Aufteilung des Blatts. Die Übereinstimmungen mit dem Berliner Nahverkehrsnetz sind deutlich. Solche Bahnwege werden Linien genannt, genau wie die Grundfigur beim Zeichnen.
Die Linie schneidet durch die Fläche und verbindet. Und macht aus Menschen Mitfahrer, Sitznachbarn und Kontrolleure. Doch nicht nur Linien gehen durch das Land, auch ein amputierter Fuß taucht verschiedentlich in den Zeichnungen auf. Und ebenso jene andere Figur, der sogenannte Schmuser – dessen Name zu weich klingt, um einfach nur der Gute zu sein.
Er ist gekennzeichnet durch seine wechselnden farbenfrohen Kapuzen, deren Gestaltung an Embleme wie Wappen erinnert. Sie sind neben den Bahnstrecken das einzig farbig gehaltene Element der Zeichnungen.
In der ansonsten reduzierten Formensprache technischer Zeichnungen lassen einige Elemente an Züge und Waggons in Draufsicht denken, andere an Särge, und die Kompartimente größerer Flächen an Wohnsiedlungen ebenso wie an Friedhöfe. Es sind also verschiedene Systeme, die einander durchdringen. Für die Darstellung dieser Wechselseitigkeit nimmt Michael Witte keine Räumlichkeit in Anspruch, sondern entwirft sie zurück in die Fläche.
Dabei nehmen allein die Verkehrswege gelegentlich eine erstaunlich voluminöse, fast organische Qualität an, in welcher sie in Blei- und Buntstift auf das Blatt gelegt sind. Man stelle sich ein Adernsystem mit Unter- und Überführungen vor.
Dass ein Fuß bei lebendigem Leib abstürbe, ist wiederkehrendes Motiv; diese Gleichzeitigkeit, diese Selbstungleichheit eines Körpers, wird als unheimlich empfunden, so unheimlich wie die Zeit selbst. Wie die Teilung Berlins zwischen Ost und West, die es gab, aber nicht mehr gibt, und von deren Existenz doch die topografischen Gegebenheiten Zeugnis ablegen. Wie sie darstellen – die Zeit – auf einem Blatt?
In einer Zeichnung versammelt Michael Witte Knotenpunkte des Berliner Nahverkehrs, ihre Namen und topografischen Verhältnisse. Es entsteht so ein System zeitgeschichtlicher Referenzen, denn jeder dieser Orte war zu seiner Zeit ein wesentlicher Verbindungspunkt innerhalb eines historischen Gefüges. So legen sich auf unauffällige Weise in einer einzigen Planebene verschiedene Zeitschichten ineinander.
Wie Wappen einst im berittenen Kampf zwischen Freund und Feind unterscheiden halfen, so dient Farbe hier der Orientierung und Schaffung von Ordnungssystemen, um durchzusteigen durch eine vielgestaltige Wirklichkeit.
So wie der „Schmuser“ im Schutz seiner Kapuze enthält auch die Art, wie die Haltestellen innerhalb der Verkehrsröhren liegen, bei aller Reduktion der Darstellungsmittel doch ein Moment des Eingehüllten, Bewahrten. Diese Gebilde erinnern an Kokons, ohne dabei jemals etwas anderes zu sein als Elemente von Schaltplänen, Lageplänen. Wie zwei dieser langgestreckten Zellen so nebeneinanderliegen und einen leeren Kern umfassen – von ihnen wegführend nach oben und unten je eine Bahnstrecke –, erhalten sie eine ungeahnte, anrührende Anmut und Biegsamkeit.
Aber es sind doch nur Gleislagepläne. Eben.
Zeichnung ist hier Wissensorganisation, Entzifferungsarbeit und zugleich apotropäische Handlung, um Dämonen abzuwehren und Schaden fernhalten.

Andreas Schlaegel schreibt zur Ausstellung Back in Town im Kunsthaus Hamburg 2014 über die Zeichnungen von Michael Witte:

Eine der Zeichnungen kartografiert eine Siedlung, inklusive Anbindung an den Regionalverkehr mit Verbindungen ins Umland von Berlin. Ergänzt wird die von blaugrünen Baumkronen dominierte Karte um kleine, beiläufig wirkende Notizen: die Daten der Weltkriege, eine kleine Skizze von BRD und DDR, die menschliche Anatomie mit Lunge und Magen und das rätselhafte Wort Trichloräthylenblau [1]. Dieser Bewusstseinsstrom, der unterschiedliche Fakten- und Fantasieschnipsel vermengt, offenbart ein ausgeprägtes Interesse an künstlerischer Spekulation zur deutschen Hauptstadt. In einer weiteren Zeichnung, mit farbig abgestuften Ortsteilen und einem idealisierten U-Bahnplan, mit Notizen zu verschiedenen Kirchen, etwa die »Church of Scientology«, »Church of England« und »Church of Satan« setzt sich dies fort. Gut möglich, dass es diese Kirchen tatsächlich in Berlin gibt, aber faszinierend an Wittes Arbeiten ist die Umdeutung des Bestehenden, die die ohnehin als Symbol überstrapazierte Stadt als Struktur für neue Lesarten öffnet. Der Künstler entwickelt ein eigenes Farbenprogramm für die Berliner Bezirke, um in der nächsten Arbeit wie nebenbei den Entwurf für einen sportlichen Berlin-Kapuzenpulli vorzustellen. Der wirkt so überzeugend, dass er beinahe als urbanes Fundstück durchgehen könnte, wie die bunten Plastikdeckel oder andere profane Gebrauchsmaterialien, aus denen Antje Bromma ihre Leuchter bastelt. Mit Schnüren an einem Gerüst befestigt, und eben nicht aus Kristall, entfalten sie dennoch ein heiteres Spiel mit Licht und Schatten auf den Wänden und den Kunstwerken darauf. Dieses spielerische Ineinandergreifen der einzelnen Werke in der Ausstellung setzt den Ton für die Betrachtung, in dem das Motiv der Stadt weitergeführt wird.

Andreas Schlaegel